|
Gennaio 2009 fino al 20 Febbraio Giorgio Flis "L'emozione del gesto" Febbraio Dal 21 Febbraio al 13 Marzo Antonio Saporito "Geometrie astratte" Marzo Dal 14 al 31 Marta della Croce, Stefania Quartieri, Elena Roncoli, Daniela Birindelli "Formae mentis" Aprile Dal 1° al 19 Claudio Malacarne "Diari di viaggio" Dal 22 Aprile al 14 Maggio Mauri "to live and re - live" Maggio Dal 15 al 31 Manuela Raimondo "Metamorfosi dell'apparenza" Giugno Dal 4 al 19 Babel "linguaggi e forme del contemporaneo" Giugno Dal 20 al 12 Luglio Egidio Castelli "Inesauribile energia creativa" Luglio Dal 18 al 9 Agosto Vincent Poche "playing with colors"
Agosto Chiuso per ferie dal 10 al 26
Settembre Dal 29 Agosto al 18 Settembre Elisa Donetti, Gianmario Quagliotto a cura di Sabrina Sottile Dal 19 Settembre al 2 Ottobre Varrè "Peripezie cosmiche".
Ottobre Dal 3 Ottobre al 18 Ottobre Bruno Filacchione "Quel sapore di antico"
Bruno Filacchione
Novembre
Amerigo Dorel “Fiat lux! Et lux facta est = La luce sia ! E la luce fu”. L’imperativo categorico della creazione universale si ripete ogni volta che Amerigo Dorel mette mano a martello e scalpello, per creare statue, sculture, monumenti, da inserire nello scenario naturale di parchi e piazze, con mutevoli effetti di luce e ombra. Lame di luce, schegge di luce, spiragli di luce solare, lunare, stellare si alternano sulla superficie levigata o grezza, liscia o ruvida, morbida o spigolosa delle sue mirabili opere d’arte, sbozzate nel marmo, per dare forma all’idea pura, al pensiero profondo, alla fede tenace. Dal 8al 30 Novembre 2009
Dicembre Dal 6 al 31 Franco Fortunato "Il temario di un vagabondo che fantastica"
Negli anni Settanta inizia ad esporre con il “Gruppo Figurale il Babuino”, partecipando tra l’altro alla grande mostra dedicata a Pier Paolo Pasolini nel 1976, gruppo dal quale si è poi distaccato alla ricerca di un proprio linguaggio e di una completa autonomia di azione. È in questo momento che nasce il suo particolare metodo di lavorare per “cicli”: dalle Storie del parco ai Barboni che dipinge tra il 1980 e il 1985, ai Racconti per l’Europa del 1992, dedicato alla nascente Unione Europea e ai dodici Paesi che la fondavano. Nel 1994 affronta il tema di Pinocchio, primo ciclo ispirato ad un romanzo, che riprenderà poi nel 2004. Non è però un caso se scene tratte dal Pinocchio appaiono già nel ciclo dei Racconti per l’Europa dove viene raffigurata l’Italia. Per l’artista, infatti, il romanzo di Collodi è soprattutto un grande affresco del nostro paese, con la sua povertà, la sua corruzione, le sue malefatte e Pinocchio incarna quindi non solo una favola per bambini, utile tuttavia anche agli adulti, ma soprattutto un preciso spaccato della nostra società. Prosegue, sempre negli anni Novanta, con l’Inventario e le Città invisibili, ciclo quest’ultimo chiaramente ispirato a Italo Calvino, e poi con i Ritrova=menti e le Città ritrovate. Sottesa temporalmente e tematicamente rimane sempre la figura del Vagabondo, che rappresenta per Fortunato una dominante di poetica che affiora e riaffiora autonomamente e nelle altre tematiche. Un personaggio che compare già a partire dagli anni Ottanta e viene riproposto fino ai giorni nostri, ogni volta con aggiunte e mutamenti che registrano il cambiamento stesso e l’evoluzione di tutto il suo lavoro. Nel 2000 torna sui temi letterari affrontando il ciclo dedicato al Piccolo Principe, il capolavoro di Antoine de Saint Exupéry, mentre nel 2003 sono ancora le architetture ad attrarlo con il ciclo Architetture fantastiche. Nel 2005 realizza l’importante ciclo su Moby Dick presentato nella significativa mostra allestita a Piancastagnaio (Siena) e successivamente realizza le Storie di Mari. Cicli accompagnati da altrettante mostre in Italia ed all’Estero: Svizzera, Francia, Belgio, Spagna, Argentina, Olanda, Stati Uniti, Germania, Canada. Ha realizzato varie pitture murali su edifici pubblici e privati. Fra queste va ricordato Via Matris Gloriosae nella chiesa di Santa Maria Maggiore di Caramanico Terme. Il suo lavoro si sviluppa anche nel campo della grafica, della scultura e della ceramica.
Gennaio 2010 Dal 10 al 30 Giorgio Flis
Roberto Girardi Febbraio Dal 31 Gennaio al 12 Febbraio Martino Bissacco "Happiness colors"
dal 14 al 27 Febbraio Katarzyna Jasiukiewicz "Oltre la vista"
Marzo Dal 28 Febbraio al 13 Marzo Maurizio Oddenino (Mauri)
Le vorticose emozioni di "Mauri "
Varrè Anthology dal 14 al 27 Marzo
Prorogata fino al 10 Aprile 2010
Aprile Dal 11 al 18 "Artinvest espone la propria collezione"
Dal 19 Aprile al 1 Maggio "Vincent Poche"
Vincent Poche "L'amico del colore" 19 Aprile - 1 Maggio 2010
Maggio Dal 2 al 14 Torre d'Artista
“Torre d’artista” 2010
Prende ufficialmente il via il due di Maggio, una manifestazione che ambirà a diventare un punto fermo nel panorama dell’Arte per la promozione di nuovi talenti e per la valorizzazione di artisti già affermati . Abbiamo il desiderio di tornare a svolgere il mestiere di galleristi, di scoprire e valorizzare le giovani leve che intraprendono questo difficile mestiere che molti invece, iniziano pensando di guadagnare facilmente, realizzando magari, spazzatura che molte gallerie vi spacceranno per arte. Fortunatamente il vero collezionista non si fa’ ingannare, sa per esperienza che l’arte, quale che sia, è sempre un punto di partenza dal quale è davvero difficile allontanarsi, ci riescono in pochi e solo dopo grandi sacrifici, diffidate da coloro che vi dicono di essere dei grandi nomi, mentono quasi sempre, vogliono sicuramente “piazzarvi qualcosa”; per essere davvero importante bisogna attuare un percorso, non pensare di dichiararsi mai arrivati e avere l’umiltà di volere sempre imparare e raffrontarsi con tutti. Da noi 12 artisti si confronteranno, si scambieranno pareri e magari anche sogni, ci sono grandi nomi e giovani in erba, ognuno con qualcosa da dire e alle spalle o tanta esperienza o tanto studio, già dimenticavamo, per tutti quelli che pensano che basti sporcare la tela, tanto l’informale è solo un miscuglio di colori, per noi è molto importante invece ciò che avete fatto prima, perché quasi nulla nasce dall’ improvvisazione. Vi invitiamo a visitare gli artisti che espongono, perché possiate farvi un idea del loro talento e magari pensare di partecipare anche voi alle prossime edizioni ……… perché questo è solo l’inizio. Roberto Girardi
Dal 16 Maggio al 12 Giugno 2010
PIER DOMENICO MAGRI — ENZO RATTO — ANTONIO SAPORITO "TRANS-PICTURE" ©2010 Da un’idea critica di Giulia Sillato
Trans-Picture è la dimostrazione della convivenza, nell’Arte Contemporanea italiana, di forme e linguaggi artistici che dall’atavismo pittorico si muovono progressivamente, con portamento disinibito, verso l’adozione di elementi materiali, fisicamente attendibili, ma distanti dal logos coloristico vero e proprio; immutata restando quella “necessità interiore” — sostenuta da Kandinskij — di proiettare nel kosmos visioni spirituali, artisticamente variegate e, adesso, soprattutto mobili… mobili come il pensiero contemporaneo. Questo ensemble di tre validi maestri — dalla pittura pura, rappresentata da Pierdomenico Magri, at-tra-verso l’approccio alla materia, indotto da Enzo Ratto, alla consacrazione finale del metallo come totalità espressiva, voluta da Antonio Saporito — illustra questo processo di trans-mutazione, le cui origini risalgono ad una trentina di anni fa, estendendosi, poi, nei suoi sviluppi sino ad oggi. Molti ricordano LA TRANSAVANGUARDIA, movimento fondato nel 1980 da Achille Bonito Oliva, fresco di esperienza nella lunga direzione della Biennale di Venezia. Era un movimento indirizzato ad un fine ben preciso: il recupero della Pittura come mezzo d’espressione unico e irripetibile, come inimitabile forma di Genio; il panorama artistico dell’epoca era sconcertante per gli estimatori della pittura, rilanciandosi tra loro la palla l’oggettualità pop, l’azzeramento minimal e le prime invasioni di campo (le installazioni). Sulla scia della Transavanguardia si tornò a dipingere, ma in Italia non si era mai smesso di dipingere, fatta eccezione per il fatale volgersi del nostro paese verso modi artistici esterofili, quali insistono tuttora nei sistemi museali ufficiali. Coloro che scelsero di mantenere aperto e vivo il dialogo con l’Arte degli anni Sessanta e Settanta, a sua volta ramo ereditario portante delle avanguardie storiche, non devono, oggi, pentirsene, perché hanno potuto far fluire all’esterno linfa creativa carnosa e duttile; vivendo, infatti, uno status culturale di natura mistilinea, sospesi tra la necessità di conservazione dell’atto pittorico e l’imput di innovazione nella ricerca di nuove espressività e nuovi materiali, sono riusciti a creare, come dimostriamo in questa sintesi espositiva, una realtà trans-eunte, inafferrabile nei suoi incerti confini e nella sua sfumata definizione: dalla Pittura alla Materia at-tra-verso una sequenza di passaggi, ciascuno concluso, tutti interagenti; in breve, un ponte tra la Pittura e l’esperienza di Burri e Fontana. Noi, di questi primi anni Duemila, non siamo certo campioni di stabilità e forieri di certezze e questo divenire, accelerato e senza sosta, viene subito percepito dall’estro artistico, che ne assorbe tutta la mobilità, lasciando intravedere apparente carattere di sperimentazione. Anche il gruppo artistico composto dal critico Oliva aveva un nome con il medesimo prefisso, ma il significato è totalmente altro da quello da me attribuito a questo contesto: in quel caso, la parola TRANS, individuata compattezza e coesione in una realtà di gruppo, ne proiettava l’operatività oltre la barriera avanguardistica, nel senso che il ritorno della Pittura veniva auspicato, con gesto trasgressivo, come un sorpassamento delle avanguardie medesime, un andare, appunto, “oltre”. Nel nostro caso, invece, la parola, a contesto allargato, mantiene e conserva tutto il concetto di mutamento, di passaggio da una dimensione ad un'altra, di dinamica andata-ritorno; accerta e sancisce la totale instabilità e temporaneità di una condizione, a cui può, rerpentinamente, subentrarne un’altra… tutte chiavi di lettura che reputo acquisite dalla cultura contemporanea, basata su una nuova etica: l’Etica della Trasformazione. Ma osserviamo un po’ più da vicino questi tre protagonisti di un momento storicoartistico, a mio avviso, assolutamente felice e fecondo, meritevole di maggiore attenzione da parte delle Istituzioni, che però hanno fatto altre scelte, lasciando questa alle Gallerie d’Arte, indirettamente responsabilizzandole sul ruolo esclusivo che sarebbero state chiamate a svolgere. L’Arte italiana poi, a differenza degli esempi europei e transoceanici, ha un magico potere, non riscontrato altrove: l’ascendenza classica, permanente alla base della formazione accademica, ha consentito singolari trapianti sul proprio tessuto millenario, storicamente consolidato (come quello dell’Espressionismo Astratto statunitense che, modello di riferimento per molti, è oggetto di frequenti innesti nella nostra cultura), dando così origine a visioni plurime e parallele, quanto mai suggestive e accattivanti. È il caso di Magri, il primo, fra i tre, di cui si debba parlare come esponente dell’absolute painting : le sue opere mostrano una socievolezza di carattere che è propria anche all’autore; stabiliscono, infatti, con chi le osserva un’immediata comunicazione empatica, trasmettono familiarità, pare che le conosciamo da una vita, esattamente come conosciamo Boccioni o Pollock, dai quali forse traggono qualcosa, ma — e qui sta il mistero dell’Arte Contemporanea italiana — cosa di preciso non è chiaro, perché, diversamente dai francesi, tedeschi o americani, le cui fonti ispirative sono trasparenti e i modelli scontati, le nostre espressioni artistiche sono come un puzzle, sminuzzabile in una miriade di componenti che richiedono assemblaggio; una volta ricomposto, esso risulta un unicum perfetto, tanto da rendere irriconoscibile il percorso all’indietro. L’esultanza coloristica di Magri, la dimestichezza con le paste cromatiche, la visione piena e gioiosa della vita, le atmosfere “astrali” che riesce a ricreare e quasi a trasporre in pittura da piani visivi alla George Lucas, non ignorano affatto le leggi sull’equilibrio universale, di cui i colori si autoeleggono a messaggeri, sia quando si dispongono in ordine secondo assi simmetrici di composizione, sia quando rompono le simmetrie immettendo nella composizione medesima i principi dell’arbitrio e del capriccio; questi non sono mai fini a se stessi, ma obbediscono comunque ad uno schema preordinato, perché dietro quella carica vulcanica c’è una mente scientifica, che sa ben soppesare tutte le possibili valenze espressive. È una pittura che si esibisce da sola e che, con il necessario coraggio, fa appello ad una straordinaria forza interiore… Essa risponde, ma viene da lontano… Ratto, invece, rappresenta il momento cruciale della contaminazione tra l’elemento pittorico e quello materiale e non è da credersi che questo fenomeno in qualche modo svilisca o riduca il millenario protagonismo della Pittura: se, infatti, ogni forma d’Arte si rapporta sempre al proprio tempo e — lo abbiamo già appurato — il nostro è il tempo delle trans-mutazioni, esempi come quello dell’artista di Torino possono solo corroborare l’Estetica della Contemporaneità, diversamente strutturata rispetto a tutte le estetiche che l’hanno preceduta, perché conformata sul principio primario di manipolazione della materia, lo stesso che suggerisce la plasmazione dello spazio attraverso organismi eterogenei (le installazioni), lo stesso però che, sul versante opposto, induce alla plasticizzazione del colore, come abbiamo visto, appunto, in Magri. Ratto quindi cambia la rotta maestra, frammischiando alla pasta cromatica pura, direttamente estratta dal tubetto, elementi materiali, attraverso i quali prefigura una sorta di visione metropolitana astratta, i cui dettagli sono determinati dalle singole infiltrazioni dei “corpi estranei” alle maglie della tela di juta, impiegata come base operativa di questo sconfinato piano urbanistico. L’eloquio artistico procede per mini-frequenze architettoniche, ora serrate e chiuse ad occludere il vuoto, quasi un riesumato orror vacui, ora, al contrario, dipanate a spaziare vuoti, ma sempre concentrando i tratti a modo di scacchiera, come teatro aperto del vissuto umano. E chi tutto questo è pronto ad archiviarlo è Antonio Saporito, anch’egli di Torino, che muove la propria istanza artistica (incredibile, ma vero) dalla figurazione degli anni Cinquanta del Novecento. Dato importantissimo, questo, perché avalla la dimostrazione, secondo Kandinskij, che l’Astrattismo trae la sua origine dalla Natura e non solo; egli dà prova del trasformismo di cui è capace l’Artista italiano, più di ogni altro, sensibile a variazioni climatiche, disponibile a nuove indagini, ricettivo di novità: avviato, da colleghi illustri e conclamati, ad una visione aniconica delle cose, per anni ritratte con lucida oggettività pittorica, finisce con l’elaborare una formula espressiva personale, fondata sull’adozione totale del metallo (prediletti l’acciaio e l’alluminio), che, sostituendosi alla tela, ne diventa al tempo stesso cortina di “controsupporto”… Lamine monocrome, sottili e delicate, sono il fondale tridimensionale nel quale scavare canali profondi in forme segmentate, che imprimono la memoria dei tagli di Fontana: rimasti celebri nella storia dell’Arte perché permettevano di tra-sgredire l’iconicità della tela, tra-passandola (e non senza rabbia) da parte a parte, cedono il passo, oggi, a trafori eleganti e armoniosi, che per certi versi ricordano l’architettura romanica, quando si affidava all’umana acutezza manuale la complessa opera decorativa e simbolica. Saporito riscatta così i controversi ideologismi di cinquant’anni fà in una visione ritemprata, che induce a puntuale meditazione: focalizzata la propensione a manipolare la materia fisica, ne gestisce il controllo con piglio d’architetto, definendo parti piene e parti vuote e insieme organizzandole in un organismo completo, altamente seduttivo, ma che dietro quelle piacevoli fattezze nasconde uno schema concettuale robusto e inattaccabile.
Giulia Sillato
Dal 13 al 26 Giugno 2010
Igor Torschenko La voce del silenzio:
Elena Kirchberger - Egarmina
Si ringrazia Maria Giovanna Piras della Galleria "Micrò" di Torino per la preziosa collaborazione.
Giugno Dal 27 al 10 Luglio Manuela Raimondo
Luglio Dal 11 al 24 Andrea Di Buduo Dal 25 Luglio al 8Agosto Andrea Di Buduo
Andrea di Buduo "Automotive paintings"
Mario Giammarinaro
Dal 5 al 18
Settembre
Settembre Dal 5 al 18 Settembre Mario Giammarinaro
Mario Giammarinaro
è nato a Torino nel 1951
Settembre Dal 19 Settembre al 2 Ottobre Renzo Mezzacapo
19 Settembre – 2 Ottobre 2010
La galleria Artinvest srl – Torre della Filanda di Rivoli (TO) propone una mostra significativa del Maestro Renzo Mezzacapo. Saranno esposte circa 50 opere, molte di grandi dimensioni, realizzate negli ultimi anni, che permetteranno una visione completa del lavoro del noto artista toscano. Il titolo “L’Enigma Ricomposto” nasce da alcuni quadri della sua più recente produzione nei quali Mezzacapo è alla ricerca delle radici della sua inquieta ed inquietante pittura. Le sue opere si ispirano a tutto ciò che ha come soggetto esplicito quella componente dell' immaginario umano in cui ricorrono non solamente ambientazioni e personaggi elaborati spiccatamente dalla fantasia, non di rado onirici o ispirati alla mitologia, ma anche elementi del reale che si incontrato sulla linea estremamente labile che divide il vero dal fantastico, il sognato dal vissuto, linea che si muove avanti ed indietro in funzione dei tempi e delle culture; una bella pittura sulla linea del ritorno alla figurazione che in questi ultimi tempi ha contraddistinto le grandi fiere d’Arte nazionali. Nell’intento di coniugare il fantastico con il reale Mezzacapo cerca di liberare il “fanciullino” dai condizionamenti della civiltà delle regole e dei divieti, esprimendo, in tale modo, la sua dimensione creativa altamente liberatoria e, talvolta, poetica. Il lavoro di Mezzacapo trova da sempre un fondamentale elemento di continuità in una ricerca personalissima tesa a scoprire quello che lui chiama “il mistero delle cose” tema dominante della sua pittura realizzata con un linguaggio simbolico-fantastico ed una tecnica particolarmente accurata che ha radici significative nella storia della pittura Toscana.
Ottobre
Dal 3 al 30 Ottobre Gli artisti di Artinvest “La scuderia di Artinvest al completo”
Artinvest s.r.l. “Torre della Filanda” Via al Castello 8 - 10098 Rivoli (TO) Tel. +39 0119589313 Orari di apertura: dal Mercoledì al Sabato 10.00-12.30 e 15.30-19.30 Domenica 16.00-19.30 Vernissage Domenica 3 Ottobre alle 17.30
Svetlana Nicolic Posticipata dal 14 Novembre al 4 Dicembre
Novembre
Dal 31 Ottobre al 13 Novembre Rachele Mari-Zanoli
Rachele Mari-Zanoli "Immagini materiche"
Artinvest s.r.l. “Torre della Filanda” Via al Castello 8 - 10098 Rivoli (TO) Tel. +39 0119589313 Orari di apertura: dal Mercoledì al Sabato 10.00-12.30 e 15.30-19.30 Domenica 16.00-19.30 Vernissage Domenica 31 Ottobre alle 17.30
Svetlana Nikolic
dal
14 Novembre al 4 Dicembre
Artinvest s.r.l. “Torre della Filanda” Via al Castello 8 - 10098 Rivoli (TO) Tel. +39 0119589313 Orari di apertura: dal Mercoledì al Sabato 10.00-12.30 e 15.30-19.30 Domenica 16.00-19.30 Vernissage Domenica 14 Novembre alle 17.30
Dicembre Dal 5 al 31 Dicembre Egidio Castelli "Time is on my side" Egidio Castelli
Artinvest s.r.l. “Torre della Filanda” Via al Castello 8 - 10098 Rivoli (TO) Tel. +39 0119589313 Orari di apertura: dal Mercoledì al Sabato 10.00-12.30 e 15.30-19.30 Domenica 16.00-19.30 Vernissage Domenica 19 Settembre alle 17.30
Home | Chi siamo | Eventi | Contatti | Photo Gallery | News News |
|
Nato
a Roma nel 1946, Franco Fortunato si forma artisticamente da
autodidatta, seguendo fin da giovanissimo il proprio spirito
creativo e la propria innata passione per il disegno e per la
pittura. Dopo aver compiuto studi scientifici, volge il suo sguardo
al 
Scrivere
una recensione critica sulle capacità di questo o quel pittore oggi
è solo affar di soldi, non importa se dipinge poco meglio di un
neonato o se imbratta la tela con il classico sentiero affiancato da
un fiumiciattolo, con la contadina (di spalle) intenta ad arrivare
nella sua sperdutissima dimora, si spenderanno sempre parole di
elogio per decantarne pregi e tecnica pittorica, quasi paragonabile
a quella di Leonardo da Vinci. Purtroppo il più delle volte neanche
lo stesso critico che ha stilato la recensione capisce cos’ha
scritto, la maggior parte delle recensioni sembrano trattati
filosofici, infarciti con paroloni che poco c’entrano con quello che
si vede o che non hanno alcuna attinenza con le caratteristiche di
quel pittore, paroloni che servono a farlo sembrare, con un
linguaggio cubista, il più bravo pittore del mondo. Purtroppo quasi
sempre si tratta di semplici imbianchini. Sapete, le frasi
altisonanti fanno sempre il loro effetto e siccome i creduloni sono
tanti, il gioco potrebbe volgere a loro favore; poco importa mi dirà
qualcuno, basta raggiungere lo scopo; bah, contenti voi, ma forse
non sapete che alcuni critici hanno addirittura le recensioni già
scritte e le appioppano a secondo dei casi e della cifra pagata a
questo piuttosto che quel pittore indipendentemente da quello che
dipingono, bella roba vero? Immaginatevi con quale animo mi accingo
a scrivere, gratis, una recensione per colui che invece è un grande
Pittore nei fatti e non solo nei giudizi o nei testi di qualche
critico esaltato. Mia moglie l’altra sera nel rientrare in auto a
casa, parlando di Flis mi ha detto: è un po’ come se Giorgio fosse
il Signore della pittura ….. bella mi son detto, semplice e
assolutamente azzeccata, basterebbe questo per concludere quello che
invece dovrà diventare un discorso più tecnico. Quanti di voi non
conoscono Giorgio Flis? Non molti oramai perché il fenomeno
pittorico che sta caratterizzando l’Arte informale ha preso sempre
più le sembianze di questo eclettico pittore piemontese. Vorrei
parlare di Giorgio facendo si, che mi legge adesso, sappia realmente
di cosa parlo, vorrei che quei pochi che ignorano il fenomeno Flis
guardassero le sue opere prima di proseguire, proprio perché non si
pensi che ne parlo a sproposito o esagerando. Osservando le sue tele
vi sentirete immediatamente proiettati in una dimensione ben più
grande di quella della tela, perché le opere di Flis non si limitano
entro confini fisici ma proseguono nello spazio come proiezione di
un gesto che tende all’infinito. Pensate al cosmo e al suo moto
perpetuo, a quanta diversità possa esistere spaziando con l’occhio
in una sorta di viaggio stellare, questa è la diversità che
caratterizza la pittura di Flis, ogni soggetto vive quel microcosmo,
appartiene ad un microsecondo di quel tempo infinito che fa parte di
ciò che vi gravita dentro. Mai si ripeterà l’emozione di rivivere
quella sensazione perché Giorgio è già pronto a regalarcene
un’altra, una sorta di Paradiso del cambiamento che gli permette di
rinnovare le nostre emozioni ad un ritmo quasi ipnotico e che ci
trascina in un turbine di emozioni che incantano mente e corpo.
Osservate il cromatismo è come se oltre il pittore ci fosse uno
stilista, qualcuno che studia attentamente la disposizioni dei
colori per evitare accozzaglie di materia che renderebbero il
dipinto inelegante e non gradevole, è come se la natura gli avesse
regalato la capacità di infondere il tocco naturale del creatore;
senza esagerare Giorgio incarna l’anima del gusto classico e lo
spirito dell’innovatore, riesce infondere in ogni dipinto emozioni
che hanno a che fare solo con l’infinito, ma Flis è solo Flis,
incarna in una sola anima tutte le personalità che servono a rendere
grande un pittore e a permetterci di guardare i suoi dipinti con la
consapevolezza di sapere di avere a che fare con la storia.
La grande voglia di "vivere" e la sua gioiosa
presenza, in un certo senso ci suggeriscono la trama dei dipinti che
realizza con un caleidoscopico giro di colori, intrecci e spazi che
ci lasciano immaginare ciò che per lui rappresenta la pittura:
esternare la passione che lo spinge a credere che dietro ogni porta
non si celi un pericolo ma un' opportunità, che provarci è sempre
meglio del non fare nulla e che ciò che sei, lo devi quasi sempre a
ciò che fai. Magro, attento, profondo e costante come solo chi crede
nei propri mezzi riesce ad essere. Mauri trasfonde nelle tele la sua
vita, senza arroganza, narrandola con i colorì e i gesti che più gli
sono consoni e che si possono interpretare come dolci note che
piroettano festanti nell'aria. In ogni realizzazione scopriamo che
l'artista non indugia sul particolare per non svelare appieno ciò
che si appaleserà solamente entrando in sintonia con quello che non
è scritto ma impresso con maestria e grazia da una mano che non
preme per nulla sulla tela, in una sorta di rispetto che lo porta a
non maltrattarla, ma vi aleggia sopra come un aquila, che appena
muove le ali nel suo maestoso volo. La volontà di essere musa per
gli occhi di chi lo osserva, fa sì che Mauri molto spesso, giochi
con lo spazio, sia una tela di modeste dimensione, sia una ben più
generosa scenografia teatrale, dove ecco che nella grandezza della
tela, scopriamo quanto possa essere immediato e forte il segnale di
gioia e allegria che riesce a trasmettere. Se mi si chiedesse, per
concludere, di dare un giudizio sintetico su Mauri utilizzando pochi
aggettivi, beh, credo che sarei assolutamente imbarazzato a decidere
quale, perché molti di loro calzerebbero "a pennello" ma sicuramente
ed essendo sicuro di non cadere nel banale, direi semplicemente
"geniale!."
Noi
viviamo in un periodo segnato da un senso di inadeguatezza, dai continui
cambiamenti e dalle ricerche di nuove strade. La vita diventa meno
flessibile e lo spirito con fatica vive nell' immagine di una bellezza che
invece una volta poteva farsi reale. Ora che i valori borghesi e
convenzionali si sono di nuovo alleati Igor Torschenko afferma: "è stata una
nuova esperienza per me". Quest'uomo è pieno di abnegazione. Egli vota se
stesso al puro atto della creazione e lo fa senza curarsi dell'aspetto
economico. Quando l'ho incontrato 10 anni fa a Mosca era un giovane pittore.
Egli stava in quel mondo senza libertà con la sua indipendenza di pensiero,
con la sua forza interiore, la sua fede, nella speranza di salvare il mondo
con la sua arte. Ecco la tipica caratteristica russa: prendersi in carico la
responsabilità del destino del mondo. Questo rende lo spirito russo così
diverso nel pensare dal modo Latino e germanico e crea i momenti più
significativi e gli approcci più arguti tipici della cultura russa da un
lato ed anche dai più gravi e tristi approcci dall'altro lato. La Russia è
sempre stato un paese di estremi contrasti ed alta civiltà in ogni aspetto.
Non di meno, in Occidente la Russia è vista come un paese dove manca una
lunga tradizione culturale. Il più basso strato della società è piuttosto
selvaggio e barbaro. Questi elementi "Tatar" orientali sono i più
pericolosi. L'alta società in contrasto è "super-civilizzata". Ma la Russia
non prospera nella struttura di una civile società-culturale. Il genio russo
può essere trovato dovunque. La Russia non si deve bloccare soltanto sulla
sua eredità orientale. Ma non si deve nemmeno occidentalizzare totalmente.
La missione della Russia è di divenire 1' "Est-Ovest" per servire da anello
di congiunzione fra i due mondi.
Renzo Mezzacapo
“L’Enigma Ricomposto”
Siamo
orgogliosi dei nostri ragazzi, degli artisti che hanno deciso di
percorrere il loro cammino professionale con noi, perchè le loro
qualità è il loro talento sono fuori discussione, abbiamo creato un
team eccezionale, chiediamo scusa se pecchiamo di presunzione, ma
ogni singolo artista è ed ha le capacità di emozionare e trasmettere
tutto l'entusiasmo di chi lavora con passione e gioia. Giorgio Flis,
Martino Bissacco, Katarzyna Jasiukiewicz, Mario Giammarinaro, Antonio Saporito,
Manuela Raimondo, Vittorio Varrè, Vincent Poche, Bruno Filacchione,
Roberto Bruno, Elisa Donetti, saranno esposti tutti insieme per la
gioia degli amanti dell'Arte e delle passioni.
Rachele
Mari-Zanoli nasce nel 1968 a Billens nella Svizzera francese da
madre svizzera e padre italiano. Nel 1974 si trasferisce nel Ticino
dove frequenta le scuole dell’obbligo. Dopo il liceo, all’età di
diciassette anni, va a vivere a Zurigo dove studia all’Istituto
Superiore per traduttori ed interpreti, implementando la conoscenza
delle lingue inglese francese e tedesco. Lavora per diversi anni
all’aeroporto di Zurigo per tre compagnie aeree americane. Nel 1993
nasce la prima figlia Selene e nel 1995 il secondogenito Diego. In
quegli anni lavora come insegnante di italiano presso l’ufficio del
lavoro di Zurigo. Inizia e completa lo studio di ingegneria di
sistema e lavora per un lungo periodo in una delle principali banche
svizzere, inizialmente in Svizzera e poi risiedendo di volta in
volta in differenti nazioni. Dopo ventidue anni di migrazioni, fa
seguito un soggiorno di tre anni in Spagna, a Madrid e
successivamente torna a vivere e lavorare nella Svizzera italiana,
in qualità di responsabile in un team di capi progetto nel settore
bancario informatico.
Nasce
a Belgrado da famiglia di antica nobiltà russa. Appassionata di
pittura, fin da piccola vince numerosi premi per il suo talento. Si
laurea all’Accademia di Belle Arti a Belgrado e si specializza in
ritratto psicologico con un corso post-laurea. Dal 1985 inizia a
viaggiare, prima in Italia poi in Francia, alla ricerca di nuove
ispirazioni artistiche e dal 1987 gira in tutta Europa per esporre i
suoi lavori; già dalla fine degli anni ottanta è presente nelle più
importanti gallerie europee: Londra, Parigi, Ginevra, Bruxelles,
Firenze, Roma e Milano. In questi luoghi Svetlana Nikolic incontra
altri artisti ed entra in contatto con il fermento culturale di
quegli anni. I frequenti viaggi che intraprende sono lo spunto per
una nuova ispirazione pittorica, dove l’artista viaggia
metaforicamente anche all’interno di se stessa e della propria
memoria. Compaiono allora nelle sue opere nuove figure e immagini
che rimandano a rappresentazioni artistiche più concettuali, a
ricordi anche dolorosi, alla metabolizzazione della sofferenza
attraverso l’arte e che diventeranno, negli anni successivi,
elementi fondamentali e caratterizzanti della sua pittura. La
profondità dei contenuti e la poliedricità dei suoi riferimenti
iconografici la consacrano, seppur giovanissima, artista conosciuta
e apprezzata in tutta Europa. Nel 1990 si trasferisce a Parigi, su
invito dell’architetto Josip Holubec: nella capitale francese entra
in contatto con le personalità più originali e creative di quegli
anni, vivendo esperienze di arricchimento personale, sia umane che
artistiche. Mossa dall’inquietudine, Svetlana Nikolic vuole
conoscere altre realtà e condividere le proprie esperienze di
ricerca pittorica anche al di fuori dei confini francesi. Pochi mesi
dopo il suo soggiorno a Parigi, è la volta dell’Italia di cui si
innamora a prima vista e il cui patrimonio artistico classico
tornerà molto frequentemente come sfondo o elemento iconografico nei
suoi quadri. La prima città italiana dove si stabilisce è Rimini. Da
artista ormai affermata, proprio a Rimini, nel fiabesco Grand Hotel,
incontra Federico Zeri: il critico ammira alcune sue opere ed elogia
il suo lavoro. Nel 1992 è la volta dell’incontro con Federico
Fellini, sempre nel capoluogo romagnolo. Riesce a conoscerlo e a
mostragli i suoi quadri, il maestro apprezza il talento e la
passione con cui lavora la giovane pittrice. Il 1996 è un anno
importante per Svetlana Nikolic, si trasferisce a Milano, che
diventerà la sua città di elezione, dove lavora e vive anche oggi.
Nel 1999 torna a Parigi dove le viene presentato Pierre Cardin, con
cui inizia un lungo sodalizio artistico. Da quel momento Svetlana
Nikolic inizia ad esporre i suoi quadri nello spazio dello stilista
nella capitale francese: il Salon Coup de Coeur. Nei primi mesi del
2000 è ospite di Ernst Fuchs a Vienna e, ad aprile dello stesso
anno, alla galleria Ca’ d’oro, in piazza di Spagna a Roma, una sua
personale inaugurata alla presenza di un entusiasta Vittorio Sgarbi,
riscuote un notevole successo di critica e di pubblico. Acclamata
ormai artista di fama internazionale, dopo la mostra di Roma, a
giugno dello stesso anno, in seguito ad una sua esposizione nel
principato di Monaco, viene invitata come ospite d’ onore ad una
serata con il principe Alberto. Tre anni più tardi, stabilitasi
definitivamente a Milano, partecipa ad una iniziativa di Porsche e
Bayer per cui decora interamente a mano un’automobile che verrà
battuta all’asta e il cui ricavato sarà devoluto ad un’associazione
no profit impegnata in progetti di beneficienza per bambini. Nel
capoluogo lombardo Svetlana Nicolik vive un nuovo periodo di
produzione artistica più consapevole e matura, dove l’ inquietudine
dell’inizio della carriera lascia il posto ad una rielaborazione più
pacata dei sentimenti, anche a livello iconografico: i cromatismi
sono più omogenei e compaiono spesso i ritratti dei suoi familiari.
Dalla fine del 2007 inizia una prestigiosa collaborazione con la
galleria di Londra Imago, che culminerà, all’inizio dell’anno
successivo con la collettiva: “Cento anni di pittura italiana”, dove
le tele della pittrice affiancano artisti del calibro di Modigliani,
Balla, De Chirico, Burri, Morandi, Fontana, Manzù, Schifano,
Kounellis e De Maria, solo per citarne alcuni. La collaborazione
continua ancor oggi e alcune opere di Svetlana Nikolic sono esposte
all’interno della galleria inglese. Dal 2008 partecipa al MiArt, la
fiera internazionale di arte moderna e contemporanea che si svolge
annualmente a Milano, ed ad altre importanti manifestazioni di fama
internazionale. Nel 2010 è diventata socia del Museo della
Permanente a Milano, e, da rotariana doc, svolge, sempre nel
capoluogo lombardo, una preziosa attività di impegno sociale,
donando spesso i suoi quadri per sostenere molti progetti di
solidarietà. Pittrice surrealista, dipinge una realtà reinterpretata
dalla sua particolare sensibilità, prediligendo luoghi e persone
care. Nei suoi quadri prevalgono colori come l’azzurro e il rosso e
l’oro, forme geometriche, paesaggi astratti e nature morte. La sua
ispirazione proviene soprattutto dall’Italia, dai suoi colori, dal
calore della gente e dall’arte. La fede è un’altra fonte di
ispirazione fondamentale nella sua pittura, insieme all’esperienza
politica del comunismo che segna dolorosamente la sua personalità
indipendente ed alla continua ricerca di spiritualità. Nelle sue
opere, Svetlana Nikolic riesce a trovare temi, simboli, forme e
colori in grado di comunicare la sofferenza della condizione umana,
nella quale è potente il desiderio di libertà e di felicità. Durante
la sua carriera artistica ha allestito molte mostre personali e
preso parte a numerose collettive nazionali e internazionali. Le sue
opere figurano in collezioni e raccolte di enti pubblici in Italia e
all’estero.
Nato
a Tradate (Varese), Egidio Castelli frequenta gli studi d’indirizzo
tecnico e si diploma Perito Industriale. Collezionista e amatore
d’arte, si interessa di pittura contemporanea. In collaborazione con
il maestro vetraio Afro Celotto produce a Murano vetri artistici. E’
fotografo amatoriale. Alla fine del 2006 sperimenta nuove tecniche
pittoriche. Incoraggiato da amici collezionisti e da galleristi, nel
2008 si propone in campo artistico. A Gennaio 2008 pubblica il
volume dei lavori realizzati nel corso del 2007 ed espone alla Fiera
d’Arte Contemporanea di Bergamo. Numerose sono le sue partecipazioni
a mostre
personali e collettive ed eventi in Italia e all’estero tra cui
ricordiamo nel 2008 le personali presso la Galleria Previtali di
Milano e alla Galleria Casa d’Arte di Vercelli; nel 2009 la
personale alla Galleria Art & Wine di Prarolo (VC) e le
partecipazioni alla New York Broadway Gallery e alla Chicago Kasia
Kay Art Projects Gallery. A settembre del 2009 Castelli ha esposto
alla Rocca di Fontanellato, con il Patrocinio dell’Assessorato alla
Cultura del comune di Fontanellato. Egidio Castelli vive e lavora in
provincia di Varese e nel Canton dei Grigioni.
Copyright 2009 © Artinvest srl